Ulysse, héros grec de la guerre de Troie, celui dont la ruse a permis de mettre fin à un siège de dix ans, voudrait regagner son île d'Ithaque où l'attendent sa femme Pénélope et son fils Télémaque. Mais les dieux ne l'entendent pas ainsi. Sur le chemin du retour, il doit affronter le Cyclope, la magicienne Circé, les Sirènes au chant mortel, les monstres Charybde et Scylla, et bien d'autres encore. Aidé de la déesse Athéna, Ulysse parviendra-t-il à retrouver son palais et à se débarrasser des prétendants qui convoitent sa femme et ses biens ?

Analyse: Personnages: 17 hommes, 3 femmes.

Un soir d'hiver, Claudio rencontre Roberto. Ils s'interrogent sur le sens de leur existence lorsque surviennent deux autres personnages. Ce quatuor, où chacun est seul avec un double interchangeable, questionne l'autre, révélant les doutes et les peurs de chacun.

Au Laos, en pleine guerre d'Indochine, Marie, 15 ans, tombe amoureuse d'un officier de 50 ans, Pierre Delcroix. Elle lui déclare son amour et lui offre sa virginité. Pierre consent à l'épouser mais retourne vite à sa seule passion, la guerre. Lasse de l'attendre, Marie s'enfuit, abandonnant son enfant.

Dans une ville ravagée par la peste, des scènes burlesques et tragiques montrent les réactions des différentes catégories de la population. Les personnages, emportés par la mort les uns après les autres, agissent tels des automates, en niant le mal qui les frappe.

Qu'importe que la cantatrice soit chauve puisqu'elle n'existe pas ! Dans cette petite "anti-pièce", première oeuvre dramatique de Ionesco, il n'est fait référence que deux fois à la cantatrice chauve, personnage dont on ne sait rien et qui n'apparaît jamais. Il s'agit bien là d'un Nouveau Théâtre, celui qui donne naissance à des pièces sans héros, sans sacro-sainte division en actes, sans action, sans intrigue, avec en guise de dénouement la quasi-répétition du début, et dont les traditionnelles retrouvailles sont remplacées par une parodie de reconnaissance d'une invraisemblance ahurissante. Les personnages, tout droit sortis d'un manuel de langue, ne s'expriment que par clichés, disent une chose pour aussitôt affirmer son contraire, trouvent une jubilation idiote à employer proverbes et maximes tout en les pervertissant sans même s'en apercevoir... Cependant, très vite, le langage s'"autonomise", se libère de toute contrainte, et l'on assiste avec plaisir au divorce du sens et du verbe. Il en résulte un petit chef-d'oeuvre comique, traité sur l'absurde, variation sur la bêtise et paradoxalement éloge du pouvoir du langage.

Dernière pièce du cycle de Bérenger qui montre l'homme face à la vérité paralysante de sa propre mort. L'hésitation entre comique et tragique, chère à Ionesco, confère à la pièce un lyrisme bouleversant.

Dans cette pièce, Pierrot-Delpech voyait, en 1961, "la plus accomplie des tragédies modernes". La troisième pièce d'Ionesco, créée en 1952, reprise en 1956, connaît maintenant un succès qui ne se dément pas. Le sujet des Chaises est, nous dit l'auteur, "le vide ontologique" ; mais c'est aussi un drame personnel, le miroir d'une conscience. On y retrouve la nostalgie de l'enfance, le sentiment de culpabilité, l'horreur de la vieillesse et de la mort. C'est encore une comédie qui, bien souvent, excite le rire par ses clowneries, ses calembours, ses parodies, ses pirouettes. C'est un ballet : celui des chaises amoncelées dans le mouvement accéléré d'un tourbillon fantastique, et qui demeurent vides. Les vieux font semblant de recevoir une foule d'invités, jusqu'à ce qu'un seul personnage apparaisse enfin sur la scène : hallucination? vérité du théâtre? L'Orateur tant attendu est sourd et muet, et la scène demeure vide, encombrée de chaises. --Gallimard.

Dans l'imaginaire collectif, Macbeth, ce roi d'Ecosse qui régna à la fin du XIe, représente depuis Shakespeare l'archétype de l'ambitieux qui, poussé par sa femme, tua le roi légitime pour monter sur le trône et multiplia meurtres et exactions. Avec Macbett, pièce qui témoigne de sa vision amère des grands drames qui ont bouleversé le XXe siècle - nazisme et communisme qu'il a toujours renvoyés dos à dos - Ionesco crée une oeuvre burlesque dans laquelle la politique n'est que le jeu absurde d'un fou, le caprice d'un paranoïaque satanique. Plus que jamais son théâtre apparaît comme une "farce tragique", sous-titre dont il qualifie lui-même Les Chaises, l'une de ses premières pièces.

Rhinocéros est la pièce la plus riche de Ionesco. Elle ne perd rien de l'esprit d'innovation, de provocation, des premières pièces. Comme elles, celle-ci mélange les genres et les tons, le comique et le tragique. Mais l'innovation principale qui s'introduit ici est la réflexion sur l'Histoire, à travers le mythe. La pièce est une condamnation de toute dictature (en 1958, on pense au stalinisme). Ionesco condamne autant le fascisme que le communisme. C'est donc une pièce engagée : «Je ne capitule pas», s'écrie le héros. Le rhinocéros incarne le fanatisme qui «défigure les gens, les déshumanise». On sent l'influence de La Métamorphose de Kafka. Dans une petite ville, un rhinocéros fait irruption. Par rapport à lui, les personnages prennent diverses attitudes. Certains se transforment en rhinocéros ; un troupeau défile. Seul Bérenger résiste à la marée des bêtes féroces, symboles du totalitarisme. -- [Renaud-Bray].

'Tueur sans gages', pièce au titre cruel, commence comme un conte de fées, se poursuit comme un drame policier et se termine sur une tragédie. Le conte de fées, c'est la découverte par Bérenger de la 'cité radieuse', merveilleux quartier de sa ville construit pour le confort de ses résidents, où il retrouve un instant le soleil de son enfance; le drame policier, c'est la présence dans cette cité d'un assassin qui tue chaque jour plusieurs habitants et que Bérenger, qui compte sur l'aide de la police, veut faire arrêter; la tragédie, c'est la poursuite de plus en plus solitaire de Bérenger, que tous abandonnent, et qui finit par se trouver devant le monstrueux tueur borgne qui lève sur lui son couteau.

Une pièce à jouer tous les soirs dans sa tête ou sur les planches, cela fait beaucoup de pièces. Une pièce pour les pleurs et une pour les fous rires, une autre pour déclarer sa flamme ou pour passer sa rage, cela fait beaucoup de pièces différentes. Mille ans de contes - théâtre, tome 1 a planté le décor pour tous les acteurs en herbe : Knock ausculte, don Diègue s'emporte, Arlequin s'enflamme, le bourgeois gentilhomme apprend ses voyelles, Amer parle bleu, Roméo se meurt, maître Pathelin pateline... Mille ans de contes - théâtre, tome 1, ce sont les pièces d'autrefois, de toujours et de maintenant pour tous les enfants d'aujourd'hui.

- Tom Pouce version fin de siecle - est le fruit d une commande: de trouver, dans les contes de Perrault, un sujet de piece pour adulte. Une comedie typique des theatres d ete, contemporaine et sans tartes a la creme. Et comprenant une importante distribu

Théâtre avec six personnages : deux femmes, quatre hommes.

Homme contemporain, modeste employé parisien, troglodyte du métro, Magis Emile part à la conquête de la vérité. La pièce nous fait revivre ses mésaventures. Ce sont celles de tout le monde : il trouve un emploi, le perd, en retrouve un autre, des femmes le repoussent, d'autres l'accueillent, sa famille le régale de scènes, il aime jouer aux cartes. Mais, le chemin faisant, Magis découvre que le monde est gouverné par un système, que ce système est faux et que, dès lors, livré au hasard, l'homme est seul devant un univers clos comme un œuf. Marié, Magis est trompé. Là, menée par sa logique, il va réagir en mettant le système de son côté et de manière à donner une illustration éclatante de sa doctrine. Criminel, Magis enfin s'insère dans la société, se voit béni.

Qu'en est-il chez Molière de la légende de l'abuseur de Séville en passe de devenir, en plein XVIIe siècle, un mythe ? " Epouseur du genre humain ", " beau parleur sans parole ", " grand seigneur " et " méchant homme ", mauvais fils et parfait hypocrite dévot, maître d'un Sganarelle qui le redouble et le craint, craint le ciel et plaint ses gages, adhère au spectacle des larmes et croit aux signes du surnaturel. Et à quel genre appartient encore cette pièce trop drôle pour être une tragédie, plus risquée que nombre de comédies, qui imaginent de purger le spectateur de ses passions dans l'éclat d'un éternuement ? Rien n'est sûr dans Dom Juan, rien que l'adhésion des personnages au texte qui les définit, leur soumission à un univers de signes détaché de toute certitude. - Edition annotée, commentée et illustrée - Biographie de l'auteur, contextes et genèse de l'œuvre - Appareil pédagogique et outils de lecture

Analyse: Personnages: 10 hommes, 4 femmes.

Le cocu imaginaire offre le premier modèle de ces personnages dont les souffrances vont constituer l'essence de la comédie. Celle-ci donne, avec Arnolphe et Agnès, l'image des rêves, des désirs, des passions qui agitent le corps et le coeur de l'homme.

Monsieur Jourdain a une folie : il veut être noble... à tel point qu'il en devient ridicule. Et, peu méfiant de son naturel, il est au comble de la joie lorsqu'on le nomme Mamamouchi. Il chante, il danse, il s'effondre de joie, et la comédie se termine dans l'allégresse du ballet. L'univers du Bourgeois gentilhomme est déjà celui de la comédie musicale : Molière emploie toutes les ressources de son art pour que le rire fuse à chaque page.

Rompre avec le monde, telle est la volonté d'Alceste. Affligé par l'hypocrisie et la frivolité de la société mondaine, il revendique un idéal d'honnêteté et de transparence des cœur. Un idéal quelque peu anachronique aux yeux d'une noblesse qui a appris à taire son orgueil et à se plier aux compromis de la vie de cour ... Alceste s'en moque : il fustige Oronte, le mauvais poète, sans s'embarrasser des convenances. Mais pour son plus grand malheur, il est aussi jalousement amoureux de Célimène, la jeune veuve coquette et reine des salons qui adore médire de ses semblables. De cette situation paradoxale naît la comédie de fâcheries en rodomontades, le ridicule ne tarde pas à rattraper ce misanthrope excessif, emporté et désespérément amoureux ... (Payot)